Nuestro proyecto

El proyecto que hemos realizado para la asignatura de Educación Plástica gira en torno al Museo del Prado, más concretamente en Velázquez y su cuadro "Las Meninas". La duración de la unidad didáctica está programada para una semana. Sin embargo, cabe la posibilidad de realizarla de forma anual centrando el curso completo en Las Meninas, desarrollando a partir de aquí, los contenidos de la 3ª etapa de Educación Infantil.

Comentario sobre la película: El Greco (Por David Casado Sáncez)

Sinopsis:

Corre el año 1566. Tras huir de la ocupación veneciana de Creta, su isla natal, el pintor Domenicos Theotocopoulos (Nick Ashton) llega a Venecia y comienza a trabajar en el estudio de Tiziano, donde pronto destaca sobre el resto de los artistas. Allí es descubierto por el Niño de Guevara (Juan Diego Botto), un sacerdote español con el que mantiene una extraña relación. Años después, el pintor se traslada a Madrid y se enamora de Jerónima de las Cuevas (Laia Marull), hija de un noble militar, con la que tiene un hijo. La pareja se establece en Toledo, ciudad en la que El Greco triunfa como artista. Su privilegiada posición le lleva a rodearse de las más altas esferas políticas y religiosas, incluyendo a su antiguo amigo Niño de Guevara, ahora convertido en el Gran Inquisidor. Aunque el profundo rechazo que el artista siente por la Inquisición pronto le llevará a enfrentarse abiertamente con él. (FILMAFFINITY) Más información y comentarios: http://www.filmaffinity.com/es/film971412.html

Mi comentario personal. Es una película la cual ayuda a conocer un poco la historia y la vida de este gran pintor, conocido con el sobrenombre de El Greco.

Lo que más me llama la atención del a película, es que El Greco pinta a los criminales como si fueran santos, después de haber sido quemados por el Gran Inquisidor de modo de venganza, represalia por haber liberado a un hombre griego.
Otra de las escenas que a mí me ha llamado más la atención es cuando la primera amante del pintor pide clemencia al Gran inquisidor, Niño de Guevara, antiguo sacerdote español. Aunque, le rogó que no le culparan, no consiguió convencerle, aunque al final de la película es excusado de todos sus supuestos delitos. Aquí dejo un par de imágenes de la película.

 

 

Una película muy completa y entretenida.

	

Desde El Greco hasta Velázquez: el arte durante el reino de Felipe III (por Cristina Martín)

Enlazándo a Velázquez, autor de 'Las Meninas', en torno al cual se desarrolla nuestro proyecto, con El Greco, pintor renacentista sobre el que hemos visto una película recientemente, me parecía interesante compartir la siguiente noticia.

En el año 2008 el museo de Bellas Artes de Boston celebró la "Primavera española" con Desde El Greco hasta Velázquez: el arte durante en reino de Felipe III.

 

"El Museo de Bellas Artes de Boston refleja una síntesis de la España del Siglo de Oro mediante la pintura española del primer cuarto del siglo XVII, coincidiendo con la estancia en el trono de Felipe III (quien reinó desde 1598 hasta 1621). Los 22 años y medio de su breve mandato –en comparación con los 40 años de promedio que reinaron del resto de los Austrias- es un límite cronológico suficiente para vincular a los dos maestros de la pintura española de esa época: el periodo tardío de El Greco y los inicios de Velázquez. Bajo la sombra de estos dos genios, la muestra también cobija los retratos reales de Juan Pantoja de la Cruz, los bodegones de Juan Sánchez Cotan, así como alegorías religiosas de Eugenio Cajés, Bartolomé González y Luís Tristán.

 

En concordancia con la sociedad de aquellos tiempos, la muestra está estructurada en tres bloques temáticos donde la religión abarca casi la mitad de las más de 60 obras expuestas, cuya procedencia comprende tanto a los museos de más prestigio como a hospitales e iglesias españolas, además de a colecciones privadas como la de Plácido Arango. Del Museo del Prado vienen siete lienzos, donde destacan Anunciación (1596-1600) de El Greco, y Retrato ecuestre del Duque de Lerma (1603) de Peter Paul Rubens, único pintor no activo en España que aparece en la muestra; El Metropolitan de Nueva York ha cedido cinco obras, entre ellas Vistas de Toledo (1604-1614) de El Greco; Otros museos de renombre que aportan pinturas son el Louvre de París o el Art Institute de Chicago, además de los National Gallery de Londres -representado con La Inmaculada Concepción (1618-1619) de Velázquez- y el de Washington –presente gracias a Laooconte (1610-14) de El Greco.

 

 

 

 

Del Greco a Velázquez. Arte durante el reinado de Felipe III supone la primera gran compilación de pintura española en Estados Unidos desde que el 28 de marzo de 2007 concluyera de El Greco a Picasso en el Museo Guggenheim de Nueva York, ciudad donde en 2005 se expuso De Goya a Sorolla, que albergó la Sociedad Hispánica de América".



 

21-4-2008 - EL CONFIDENCIAL

http://www.elconfidencial.com/cache/2008/04/20/46_pintura_espanola_siglo_conquista_boston.html

 



 

Película 'El Greco' (por Cristina Martín)

 

 

La vida de Domenikos Theotokopoulos, universalmente conocido como El Greco (1541-1614), fue novelada por el escritor griego Dimitris Siatopoulos en su libro ‘El pintor de Dios’.



 



 

 

El director Iannis Smaragdis y el coproductor español Raimon Masllorens esperaron siete años hasta que la adaptación al cine de la novela se convirtió en un proyecto real.

 

 

 

 

 

 

 

La banda musical la compuso, sin cobrar por ello, Vangelis, que ganó el Oscar con ‘Carros de fuego’ (1981).

 

La historia se desarrolla en 1566 y transcurre desde Creta (ciudad natal del pintor, ocupada por Venecia) hasta Toledo, donde  El Greco triunfa como artista y se topa con su mayor adversario: la Inquisición. Niño de Guevara es un sacerdote que El Greco conoce en Italia y que se transforma en su mayor enemigo, ya que se convierte en el gran Inquisidor.

Autorretrato de El Greco

 

El Greco fue uno de los artistas más destacados del Barroco. Formado en la escuela de Venecia, desarrolló un estilo inclasificable que asombró a sus contemporáneos, que lo reconocieron como un precursor de movimientos vanguardistas como el Expresionismo (por la deformación tortuosa de las anatomías) y del Cubismo.

El ministro de Cultura griego, Georgos Vulgarakis, declaró que El Greco fue “una personalidad que desempeñó un papel decisivo en su época”, mientras que Smaragdis recalca que fue “un precursor de la conciencia europea, ya que unió a tres países con su obra: Grecia, Italia y España”.

Me parece una manera entretenida de conocer al pintor y algunas de sus obras, así como los acontecimientos históricos más importantes que tuvieron lugar en esa época.

En los XXIII Premios Goya, Lala Huete recibió el premio al Mejor Diseño de Vestuario en esta película.

Un fragmento del tráiler en español:

 

                 



 

 



Comentario sobre la película: El Greco (por Silvia Bautista)

El argumento de la película aborda la vida del pintor olvidando algunos matices y añadiendo nuevas pinceladas, tal vez para ganar gancho comercial.

Tras una brutal matanza en Creta, El Greco abandona la tierra donde nació. La isla estaba sometida por la República de Venecia y los cretenses tenían frecuentes enfrentamientos con las tropas invasoras. El Greco se traslada a Venecia a pesar de querer la independencia de Creta, pero su objetivo es prosperar como artista. Además, su romance con la hija del gobernador veneciano, Dimitra, le obliga aún más a abandonar la isla.

Allí, El Greco visita el taller del viejo pintor Tiziano, quién le aconseja cautela cuando pinte a personajes de gran poder. Durante esa misma estancia, El Greco también conoce a Fernando niño de Guevara, quien más adelante es proclamado inquisidor e interviene en su defensa en el conflicto por el cuadro “El expolio”. A partir de este momento, el cardenal interviene cada vez más en la vida del pintor. Aunque dice admirar sus obras, Niño de Guevara le presiona para controlar su particular estilo y dedicarse a pintar cuadros religiosos más ortodoxos.

El Greco cada vez tiene menos tiempo para su familia y su relación con Niño de Guevara cada vez es peor, en especial porque éste ejerce su poderoso puesto con crueldad. Un día, El Greco pide que se libere a un detenido inocente de origen cretense. El inquisidor acepta, sin embargo, a cambio pide al pintor que pinte su retrato. El resultado le ofende y la relación entre ambos llega a su fin. Niño de Guevara, irritado, aprovecha el pretexto de que El Greco y su pareja han tenido un hijo sin estar casados y le hace testificar ante la Inquisición. 

Esta película me ha parecido muy interesante porque no solo se centra en el conflicto entre el Inquisidor y El Greco, si no que también nos permite admirar muchas de sus obras más conocidas, nos aproxima a la vida del pintor y al contexto de la época e incluye historias amorosas que hacen del El Greco una película más atractiva a los ojos del espectador.

Edades de la Infanta Margarita

Velázquez realizó muchos retratos de la Infantga Margarita a distintas edades.
En nuestro proyecto, proponemos una actividad en la que observamos esta imagen y a partir de ella enseñamos los conceptos 'ancho y estrecho' a través de los vestidos.

Velázquez, influencias y homenajes (por Silvia Bautista)

Diego Velázquez es uno de los grandes pintores que ha conseguido que importantes artistas tengan la necesidad de revisar sus trabajos y hayan elaborado versiones de sus obras más destacadas. Sin duda, ha influido profundamente y ha servido de inspiración para numerosos creadores posteriores. De su famoso cuadro Las Meninas, existen miles de versiones a modo de homenaje:

Richard Hamilton

Las meninas de Richard Hamilton pertenecen al movimiento del Pop Art. Su título completo es In Homage to Picasso. Picasso's meninas, es decir, un homenaje al pintor malagueño a través de la reinterpretación que éste hizo de una de las indiscutibles estrellas del Prado.

Francisco de Goya

Fue el primer artista que reprodujo el cuadro en grabado. Pero donde más se nota la influencia de Las Meninas, según explican los historiadores del arte, es en una de sus obras más importantes, La familia de Carlos IV. En ella, Goya retrata "al estilo de Velázquez en Las Meninas", toma la misma posición para aparecer en el retrato real.

Salvador Dalí

Este artista en sus últimas obras cada vez se acercaba más a los grandes maestros que siempre admiró, entre los que se encontraba Velázquez. En el año 1973, su pintura Cuadro estereocópico inacabado, consigue la multiplicación del espacio a través de un espejo donde también aparece su autorretrato en clara alusión a las Meninas. 

Pablo Picasso

Picasso pinta la escena completa y sin color, solamente con grises. Resalta los ganchos del techo que en Velázquez pasan casi desapercibidos, simplemente son ganchos para lámparas y en la versión de Piscasso los destaca dando la sensación de sala de torturas. Otra variante es la abertura de las contraventanas de todos los ventanales de la habitación. Es prácticamente de estilo cubista. 

Para más información hay una entrada específica en el blog que habla de este cuadro hecha por mi compañero David Casado. 

A partir de todos estos artistas, la admiración por Velázquez continúa revelando interesantes versiones para todos los gustos:

Joel-Peter Witkin's, Las meninas

Aguijarro, Las Meninas mininas

Florencia Cassano, homenaje

Equipo Crónica: Rafael Solbes, Las Meninas

Hidalgo Serralvo, Las Meninas

Los Guardianes del Arte (por Silvia Bautista)

El siguiente video forma parte de un proyecto realizado por el C. P. "Ntra. Sra. de la Encarnación", Ciudad Real.

Está destinado al 3^er ciclo de Educación Infantil y está basado en el arte, fundamentalmente en sus vertientes pictórica y musical. Los niños se hacen llamar los Guardianes del Arte y, aunque hacen una fascinante investigación sobre los artistas más conocidos, el trabajo que realizan sobre Velázquez me parece fantástico.  

Los alumnos investigan a nuestro pintor, su época y sus obras de arte, en especial, el cuadro de “Las Meninas” y el “Retrato de la Infanta Margarita”. Para ello, realizan un mapa conceptual y otras muchas actividades realmente atractivas, como por ejemplo, inventar un cuadro. A la vez, descubren la obra de un célebre compositor, “La Marcha triunfal de Aída” de Verdi.

El objetivo final era inventar y crear una fantástica aventura, basada en todo lo aprendido y que los alumnos la representaran en clase. Y así lo hacen, los Guardianes del Arte viajan a Madrid, en la época del Barroco y allí conocen a Velázquez, al rey Felipe IV, a la reina Mariana, a la infanta Margarita y a otros muchos personajes más. Con ellos viven una gran aventura, logrando apagar un incendio que se había producido en el palacio real.  

Para saber en profundidad sobre este interesante proyecto, pincha en el siguiente enlace:
http://proyectoartistasinfantil.blogspot.com.es/

Video de Explicación del Cuadro (por David Casado)

Navengando por internet, he encontrado un video muy interesante en YouTube, titulado "Arquitectura: el espacio real y fingido" a través de Las Meninas de Velázquez, publicado por FECYT. En este video se explica muy bien tanto las técnicas utilizadas, como los personajes que componen el cuadro e incluso los cuadros que velazquez pintó al fondo le la habitación en el propio cuadro.

Este es el enlace: http://www.youtube.com/watch?v=ZnmWmevI5CY

Las Meninas de Picasso (por David Casado)

 

Picasso era un gran admirador de la obra de Velázquez. La primera vez que Picasso vio una obra de Velázquez fue cuando tan solo tenía trece años. Picasso dijo una vez: Tuve la oportunidad de enfrentarme, por primera vez, a mis ídolos. Me esperaban en el Museo del Prado. Desde entonces me quedó fijado en las retinas, de una manera obsesionante, el cuadro de Velázquez Las Meninas. Creo que ya tomé, aunque fuera en el subconsciente, la decisión de realizar mi versión de Las Meninas. Que son las que ahora se encuentran, como donación, en Barcelona.

Las meninas de Picasso son una colección formada por  58 telas de distintos tamaños. De las cuarenta y cinco obras basadas en la obra "La familia de Felipe IV" o también conocida con el sobrenombre "Las Meninas", catorce están dedicadas a la Princesa Margarita, cinco a María Agustina Sarmiento, otras cinco a Isabel de Velasco y el resto, las veintiuna, son juegos de composiciones en la cual aparecen varios personajes agrupados.

Para más información consultar:
http://es.wikipedia.org/wiki/Las_Meninas_(Picasso)#Picasso_y_Vel.C3.A1zquez

Lámina con punto, línea y plano (por David Casado)

La actividad a realizar consiste en un diseño de  10x15cm, de una serie de elementos entre los que se incluyan el punto, la línea y el plano.

Mi imagen tiene una composición horizontal en la cual se distinguen líneas horizontales, transmiten calma, sosiego; verticales, expresan equilibrio, igualdad; diagonales, producen sensación de cambio; puntos, triángulos y líneas curvas, emiten movimiento, inquietud. Es una composición simétrica, donde el centro es un punto negro.
Esta simetría se rompe con los distintos colores utilizados. Los colores cálidos (rojo, amarillo y rosa) emiten sensación de fortaleza, energía..., en cambio los colores fríos (azul, verde, morado, marrón) producen una sensación de estabilidad, calma, tranquilidad...

La intencionalidad que tiene mi diseño es intentar complementar y neutralizar la imagen con las distintas sensaciones que expresan los componentes de esta. Es decir, las emociones que transmiten las líneas horizontales son complementarias a las verticales, y sucede los mismo las sensaciones de los colores cálidos. He intentado que sea una composición simétrica. En el centro de la imagen se sitúa un punto en donde se centra la vista y además hace de eje central.

Publicidad estática (por Silvia Bautista)

La siguiente actividad consiste en realizar un análisis de un anuncio de publicidad estática:

El producto es un perfume de mujer, de la marca Loewe, cuyo logotipo es el frasco de la propia colonía. Su publicidad podemos encontrarla en medios de comunicación como son revistas y páginas web, sin embargo, destaca su anuncio completo en televisión.

El eslogan no es más que el propio nombre del perfume "Quizás, quizás, quizás" y está situado en la parte inferior de la derecha junto al texto: "The new femenine fragance by Loewe".

Los colores utilizados en la fotografía son intensos como lo son el rosa, el rojo, el violeta y el granate. Sin entender el anuncio, solamente con los colores podemos descifrar que se trata de un mensaje pasional.

La composición de esta imagen es vertical y en forma de "U", destacando los elementos principales situados en un primer plano general: una mujer, un hombre y el frasco del perfume.

A la izquierda, podemos observar una mujer apoyada en un pasillo en una posición sugerente, delante de una puerta entreabierta y mirando hacia la cámara de forma seductora. Su cara muestra picardía al igual que su vestido corto y la postura de su pierna flexionada, travesura que contrasta con su peinado de "niña buena". A la derecha, un hombre que simula un muñeco de cuerda, en posición rígida, sostiene un ramo de flores. Parece estar dominado por la mujer y la mira atentamente, cómo si estuviera esperando la respuesta afirmativa de poder entrar por la puerta.

Siguiendo la línea y el juego de sombras del suelo, vemos que la luz más intensa incide directamente sobre la mujer, lo que la otorga protagonismo y la destaca de la oscuridad al igual que lo hace su vestido blanco. Además, a la izquierda se puede observar otra puerta abierta para dar más luz al pasillo, sino quedaría demasiado oscuro.

La intención es clara, en este anuncio se juega con los estereotipos de la mujer bella, dominante y seductora que maneja al hombre como se maneja un muñeco, es decir, a su antojo. Por lo tanto, si una mujer compra este producto, nos da a entender que será una mujer dominante que hará lo que quiera con los hombres porque tiene el poder, en este caso, el perfume. El título de la colonia nos incita a interpretar que "quizás" el muñeco tenga suerte y la chica le deje entrar en su habitación. Ella tiene el mando, ella decide.

Publicidad Estática (por David Casado)

La siguiente actividad consiste en analizar un anuncio de publicidad estática:

El producto es un pantalón de la marca levi´s cuyo logotipo es la propia marca: LEVI´S. Ha aparecido en distintos medios de comunicación: revistas, TV, Internet, vayas publicitarias…

El eslogan es: The classic men´s 501. Now re-cut for women (Los clasicos hombres de 501, ahora volver a cortar para mujeres) situado en la parte central de la imagen. En la parte superior derecha de la imagen se encuentra el eslogan.
La imagen consiste en la unión de un hombre y una mujer, en un primer plano central con una composición vertical en forma de “Y” invertida: Cabezas-Cuerpos-Piernas Separadas.
Los elementos principales son los pantalones y el hombre y la mujer, que forman una sola persona, donde la mujer es la mitad derecha y el hombre es la mitad izquierda.
La intención del eslogan es vender el pantalón defendiendo la igualdad entre el hombre y la mujer uniendo los dos sexos para formar una sola persona.

Sally Mann (por David Casado)

Como mis compañeras ya han hablado de Sally Mann, solo resumir que es una fotógrafa estadounidense que estudió fotografía en la Praestegaard Film School. Recibió el premio de la revista Time a la Mejor fotógrafa norteamericana. Y que su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas disputas desatadas por grupos radicales.

En esta foto, Sally Mann utiliza un encuadre horizontal con ángulo normal, dando un efecto neutro a la fotografía. Existe un predominio de las líneas horizontales creando  sensación de calma, sosiego, tranquilidad, etc., y líneas verticales, creando sensación de fortaleza, grandeza, elevación…
En el primer plano, nos encontramos como eje central el árbol que, en su parte central, se puede percibir en su corteza un pequeño corte.

Resaltan las tonalidades oscuras, diferentes blancos, grises y negros. Los tonos más claros aluden al fondo de la imagen, en cambio los más oscuros hacen referencia sobre todo, al primer plano (el árbol, la tierra o el camino)

Se aprecia una pequeña capa de niebla en la parte posterior de la imagen. Esto, junto con las tonalidades oscuras, produce sensación de frío.

Podemos distinguir en la imagen 3 planos. En el primer plano encontramos el árbol, que es el centro de la imagen. En un segundo plano aparece el vallado, dando más profundidad a la imagen. Y, por último, el fondo, en la parte izquierda de la imagen se ve otro árbol desdibujado, y en la parte derecha, lo que podría ser un frondoso bosque.

Los Relojes Blandos de Salvador Dalí (por David Casado)

Punto y línea sobre el plano

Salvador Felipe Jacinto Dalí (Figueras, 11 de mayo de 1904 i ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Es conocido sobre todo, por sus imágenes surrealistas. Las técnicas que utiliza se atribuyen a la influencia de la época, el arte renacentista. Dalí también ha trabajado la escultura y la fotografía, lo que le condujo a trabajar con numerosos artistas audiovisuales.  Su obra más famosa es La persistencia de la memoria, más conocida por el nombre de los «relojes blandos», realizado en 1931.

 La persistencia de la memoria, es un famoso cuadro realizado mediante  la técnica del óleo sobre el lienzo, de estilo surrealista cuyas medidas son 24x33 cm. Se conserva en el MOMA (Museo de  Arte Moderno) de Nueva York, donde llegó 3 años después de su creación como donativo. Dalí en una revisión del cuadro creó La desintegración de la presencia de la memoria.

http://es.wahooart.com/A55A04/w.nsf/Opra/BRUE-5ZKFBX

http://alejandralia.blogspot.com.es/2006/07/desintegracin-de-la-persistencia-de-la.html

El cuadro representa la Bahía de Port Ligat al amanecer. Es un paisaje simple, en donde aparece el mar de fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes, un reloj de bolsillo, y tres relojes blandos y deformados relacionándolos por su calidad de “tiempos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos”.  Uno de los relojes cuelga de la rama del árbol, . Más abajo, en el centro, ocupando un segundo plano se acopla otro reloj, a modo de montura, sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. Igual que el anterior, el tercer reloj, ocupa un segundo plano, situado en el muro, y el reloj de bolsillo, en el primer plano, situado también sobre el muro, hay multitud de hormigas, que no están colocadas por casualidad (este tipo de reloj se lleva próximo a los genitales).

Los relojes se han reblandecido debido al paso del tiempo. Son relojes verosímiles que siguen marcando la hora. Dalí dijo sobre su cuadro: “Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se haya comido un cheque, asimismo me asombra que nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando”.
Para concluir, destacar el contraste entre las tonalidades (utiliza tonos muy claros para representar el mar y el cielo, y tonos oscuros para formar la tierra); las líneas rectas que, sobre todo, se ven en los muros; y los relojes blandos, que los representa mediante líneas curvas.

Lámina con punto, linea y plano (por Silvia Bautista)

Esta actividad consiste en diseñar en papel una plantilla de 10x15 cm. para trabajar el punto, la línea y el plano en un aula de Educación Infantil.

Mi dibujo es abstracto y su composición nos permite distinguir tres elementos diferentes: círculos, lineas rectas y líneas curvas.

Como podemos observar, en un primer plano destacan los círculos pintados de colores cálidos o energéticos: rojo, naranja y amarillo.
En un segundo plano, encontramos por un lado una secuencia de lineas horizontales que expresan calma y tranquilidad y, por otro lado, líneas curvas que por el contrario dan a entender movimiento e inestabilidad. Los colores fríos o aquellos colores que expresan tranquilidad y calma son el verde, el azul, el marrón y el morado.

Existen dos tipos de líneas rectas en este dibujo, las líneas horizontales y la líneas verticales. Cada una de ellas expresa diferentes sensaciones:
- Lineas horizontales: Sugieren tranquilidad, reposo.
- Líneas Verticales: Expresan una tensión ascendente, fuerza, equilibrio, espiritualidad, dignidad.

En resumen, he decidido hacer este dibujo porque me parece interesante poder explicar a los niños las sensaciones que transmiten las líneas y los colores de forma simultánea. Los colores cálidos y las líneas verticales expresan fuerza y equilibrio; los colores fríos y las líneas horizontales calma, tranquilidad y sueño; y por último las líneas curvas movimiento e inestabilidad.

Sally Mann (por Silvia Bautista)

Sally Mann es una fotógrafa estadounidense nacida el 1 de mayo de 1951 en Lexington (Virginia). Allí vive con su esposo Larry, abogado de profesión, con quién tuvo tres hijos: Jessie, Emmet y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos.

Estudió fotografía en la Praestegaard Film School (1971) y en la Aegeon School of Fine Arts (1972), entre otros, graduándose en 1974 en el Bennington College.

Mucha es la vida que infunde Sally Mann es sus fotografías. Esta artista está considerada una de las grandes fotógrafas de nuestro tiempo. Vive en ese particular Olimpo que ocupan también Cindy Sherman o Nam Goldin, y desde hace cuatro décadas construye una propuesta artística ambiciosa, honesta y, muchas veces, arriesgada y controvertida. Pero todo lo ha hecho a partir de una transcendente mirada sobre la arquitectura, los paisajes del sur de Estados Unidos, las naturalezas muertas, los autorretratos o su propia familia.

Entre otras instituciones, el Museo Metropolitano de Nueva York y la colección Corcoran poseen otra entre sus fondos, y, en julio de 2001, Sally Mann recibió de la revista Time el premio a la Mejor fotógrafa norteamericana.

De todos sus trabajos, voy a valorar una fotografía que forma parte de la serie At twelve. Todas ellas son de gran interés y me han parecido mostrar gran fuerza. Sin embargo, he querido escoger una imagen original que se pueda trabajar fácilmente en un aula de Educación infantil. La imagen está realizada en blanco y negro y el entorno de trabajo es aquel que utiliza en sus fotografías: su familia y su pueblo.

En un primer plano podemos observar a una niña que se encuentra debajo de un tejado, aquí es notable su composición en “T”. Y en un segundo plano, podemos observar la casa y la sombra de un cuerpo adulto situado por detrás y sujetando uno de los brazos de la niña. Aquí podemos ver como Sally ha jugado con el contraste claro-oscuro para dar volumen y sobresaltar la figura de la niña. El foco de luz central entra por la izquierda dando protagonismo a la posición de sus piernas y a los puntos donde el peso de una imagen es más fuerte.

El eje central de la imagen lo podemos observar en la mitad del cuerpo de la niña dando lugar a un equilibrio que apenas es descompensado. No obstante, para romper con la monotonía se pueden observar; el brazo del hombre que rodea su cuello y la sujeta, uno de sus abrazos está colocado hacia arriba mientras que el otro hacia abajo y una de sus piernas está estirada mientras que la otra se encuentra doblada y apoyada sobre su pierna tensa. Otros pequeños detalles que rompen con la simetría son las sillas, en el lado derecho podemos observar una mesa colocada junto a ellas mientras que en el lado izquierdo las sillas se encuentran solitarias.  

Su composición en “T” nos da la posibilidad de que nuestros alumnos la rodeen, la pinten y la recorten. Además, es muy probable que al ver la imagen se sientan identificados con la figura de la niña. También, esta fotografía puede dar la posibilidad de que los niños se fotografíen en parejas en la misma posición que se encuentran las dos figuras.

La Infanta Margarita y Black and White, publicidad estática (por Cristina Martín)

Igual que en el anuncio anterior, he encontrado otro que me ha llamado la atención y me ha parecido divertido, y que está además relacionado con el tema de las Meninas que estamos tratando.

Es un anuncio que creará interés en los niños debido a los dibujos, y debido también a que la Infanta Margarita, protagonista del cartel, es una niña como ellos. Los animales que aparecen en la parte inferior derecha también les resultarán entretenidos.

 

"El personaje de la Infanta Margarita ha sido la escogida por la marca de Wiskhy escocés Black and White customizándola en blanco y negro, acompañada por los dos perritos, uno blanco y otro negro, emblemas de la marca escocesa. Esta marca fue fundada por James Buchanan en 1890, convirtiéndose años más tarde en uno de las más famosas fabricando este tipo de licor, apareciendo en numerosas películas como La Dolce Vita o Dolores Claiborne".

Esta información y muchas similares en: http://estonoesunblogdepublicidad.wordpress.com/

Publicidad estática (por Cristina Martín)

La siguiente actividad consiste en realizar un análisis de un anuncio de publicidad estática.

 

El producto es un perfume, de la marca Myrurgia, cuyo logotipo no es otro que el mismo frasco del
perfume, que aparece en distintos medios, como revistas, páginas web..
El eslogan es: "Arte y perfume desde 1916", situado en la parte inferior, centrado, y el texto que aparece es: "Eternamente mujer" y se encuetra en la parte superior derecha de la imagen, además de la marca.
La imagen consiste en dos retratos femeninos, en un plano principal que deja de fondo una ciudad.
La composición es vertical y en forma de "V" invertida:  Ʌ.
Los elementos principales son la colonia y las dos mujeres, que no se miran, ni se tocan, es como si estuviera cada una por un lado, y se apoyan sobre un sillón, en el centro de la imagen.
El eje central produce simetría, rota por el producto.
La intención del eslogan es unir el arte y el perfume que se ofrece para crear un estilo llamativo. La imagen colabora dando sensualidad y belleza al producto. Su carácter es estético, y el estereotipo va asociado a la época (glamour, elegancia, sensualidad..).
El texto es pequeño en comparación con las imágenes para captar así una mayor atención de quien lo observa.

Este anuncio se ha basado en la obra de la artista Tamara de Lempicka, (pintora polaca que destacó por la belleza de sus retratos femeninos y desnudos, de pleno estilo art decó).

Sally Mann (por Cristina Martín)

Sally Mann (01/05/1951), estadounidense, reconocida como una de las fotógrafas de mayor influencia en su época.
Desafió a la crítica con su sensibilidad y alcanzó una madurez artística que fortaleció en su técnica. Ha fotografiado su propio mundo en diferentes etapas presentando una profunda inquietud por la esencia humana desde la niñez hasta la misma muerte.
La mayor parte de su obra se basa en la técnica de fotografías en blanco y negro, en un entorno de trabajo propio: su familia, su pueblo...
Una de las fotos que más me ha gustado, y que voy a comentar aquí es "Virginia at 9"

 

 

Vemos en un primer plano a una niña que hace de eje central y da equilibrio a la composición, con un vestido que agarra con la mano y que da la sensación de estar en movimiento.

 

La niña es el centro de la imagen y lo primero que observamos; su mirada hacia el suelo nos lleva a fijarnos aún más en su vestido, que además de crear movimiento constituye el foco de luz central, resaltado por el blanco en medio de grises y negros.

La imagen es de carácter simétrico, aunque hay más peso a la derecha, por el vestido que se "mueve" hacia ese lado y por las rocas del fondo.

 

El fondo es un paisaje de mar, con rocas a la derecha, que contrastan la imagen dando oscuridad.

La humedad del suelo y los colores apagados crean una sensación de frío.

Aparecen en un segundo plano dos elementos, una mesa o banco, y una silla, orientados hacia el mar.

En ese mismo segundo plano, a lo largo de toda la imagen vemos unos bancos o piedras, que separan en una línea horizontal el espacio en el que se desarrolla la escena (suelo) y el fondo que hace dificil distinguir el mar y el cielo.

Lámina con punto, línea y plano (por Cristina Martín)

La actividad a realizar consiste en un diseño en papel, de 10x15 cm, de una serie de elementos, entre los que se incluyan el punto, la línea y el plano.

Mi composición se trata de una imagen figurativa, que remite a la realidad, y que hace que nuestra atención se dirija en un primer momento a la derecha, donde está representada, de forma simétrica, una parte de la cara de una mujer.
Destaca la expresión del color por encima de la realidad, gracias a los colores llamativos utilizados, verdes, naranjas, amarillos...
La mujer está formada por distintas líneas curvas, círculos y la figura ovalada del ojo.
La parte izquierda de la lámina está dividida en secciones, cada una de un color y con distintas formas (líneas verticales, horizontales, círculos, hojas, estrellas...)
El contraste de todos los colores hace que sea una composición llamativa.

Os dejo aquí una foto:

El dormitorio de Van Gogh (por Silvia Bautista)

Como mi compañera Cristina Martín, yo también voy a comentar un trabajo de linea y punto sobre plano de una de las obras más conocidas de Vincent Van Gogh; "El dormitorio en Arles". Un breve resumen de la biografía del autor la podéis leer en la entrada anterior. 

Sobre el tema de su dormitorio, Van Gogh realiza tres cuadros casi idénticos. El primero, conservado en el museo Van Gogh de Ámsterdam, fue ejecutado en octubre de 1888 y se deterioró en una inundación ocurrida durante la hospitalización del pintor en Arles. Cerca de un año después, éste emprende la realización de dos copias: una, de mismas dimensiones, se conserva hoy en el Art Institute de Chicago; la otra, la del museo de Orsay, realizada para su familia en Holanda, es de tamaño más reducido. 

La pequeña estancia está vista en perspectiva marcando las líneas del suelo y de las paredes para crear el volumen de la habitación. En la izquierda observamos su silla y en la derecha la puerta de acceso y la cama. Unos cuadros decoran la pared y al fondo encontramos una mesilla, otra silla, un perchero, un espejo y otro cuadro flanqueando la ventana.

En una carta dirigida a su hermano Théo, Vincent explica lo que le incita a pintar una obra semejante: quiere expresar la tranquilidad y resaltar la sencillez de su dormitorio mediante el simbolismo de los colores. Para ello, describe: "los muros lila pálido, el suelo de un rojo gastado y apagado, las sillas y la cama amarillo de cromo, las almohadas y la sábana verde limón muy pálido, la manta roja sangre, la mesa de aseo anaranjada, la palangana azul, la ventana verde", afirmando: "Había querido expresar un reposo absoluto mediante todos estos tonos diversos".

Como podemos observar, Van Gogh pretende transmitir la idea de descanso y sueño a partir sobre todo del uso de tonos versos y azulados que sugieren el descanso y el sueño en general. Refuerza esta idea la figuración pictórica que se encuentra sobre la cama y la escasez de objetos de la habitación, ordenada y limpia. 

Para esta obra utiliza tres pares de colores complementarios: rojo y verde, amarillo y violeta, azul y naranja. Los tonos más empleados son el amarillo y el azul, que aparecen en la mayor parte de su producción convirtiéndose en sus tonalidades emblemáticas. A estos colores, añade después pequeñas pinceladas de verde y rojo para jugar con los contrastes.

La pincelada suelta a la que recurre el artista se aprecia claramente en algunas partes del lienzo, especialmente en la zona de la izquierda. Pero esa pincelada suelta no implica que olvide detallismo de los objetos, las telas o el bodegón sobre la mesa, detallismo que heredó de la tradicional pintura flamenca y holandesa del barroco que tanto le atrajo en su juventud. 

A pesar de la intención de Van Gogh de dar una sensación de solidez, de permanencia, y tranquilidad, el resultado es más bien un sentimiento de angustia debido a la gruesa línea que rodea los objetos, su composición constituida casi únicamente de líneas rectas, los colores puros y privados de sombras, y las paredes inclinadas, reforzando la extraña perspectiva.

Mediante estos diferentes tonos, Van Gogh también hace referencia a Japón, a sus crespones y a sus estampas. Se justifica de este modo: "Los Japoneses han vivido en interiores muy sencillos y que grandes artistas han vivido en este país." Pese a que, para los japoneses, una habitación decorada con cuadros y muebles no es realmente sencilla, para Vincent es "un dormitorio vacío con una cama de madera y dos sillas".

La noche estrellada de Van Gogh (por Cristina Martín)

 Punto y línea sobre plano

 

 

Vincent Van Gogh, "(Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron unas 650 de sus 800 cartas conservadas; las otras son correspondencia con amigos y familiares."

 

 

Este cuadro "muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Data de mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de van Gogh. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Considerado como el magnum opus de van Gogh, el cuadro ha sido reproducido en numerosas ocasiones, siendo una de sus obras más conocidas."

 

http://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh

http://es.wikipedia.org/wiki/La_noche_estrellada

 

 

Esta obra neo-impresionista utiliza la técnica del óleo sobre lienzo para representar una pintura tenebrosa y oscura, por los colores de tonalidades fuertes que se utilizan. Da la sensación de movimiento en el cielo debido a las hondas que se dibujan pero que al mismo tiempo son inquietantes.

Se aprecia también profundidad, gracias a la torre o montaña en color negro que resalta en el lado izquierdo de la pintura.
 

Resulta fácil observar que el pintor se centró más en el cielo que en el pueblo, donde vemos dos enormes espirales nebulosas, envolviéndose una con otra, y once estrellas sobre-dimensionadas.

 

La vitalidad de la técnica se encuentra suavizada por el ritmo de las curvas voluptuosas que dominan el cielo íntegramente y proporcionan, la acción dinámica del cuadro.
 

Un ciprés ocupa el primer plano, es la figura más oscura de la composición, y adopta una morfología flamígera acorde con el fondo. Junto con la torre de la iglesia del pueblo, el árbol determina una relación de repetición de formas que, en su carácter geométrico, aportan el elemento de estabilidad y firmeza que sostiene la composición.
 

El pueblo está representado con trazos rectos y breves, con lo cual se acentúa la oposición con las curvas que dominan la parte superior del cuadro. De la misma manera, las pequeñas luces de las casas son cuadradas y poco brillantes.

Esta  composición ha sido representada por el artista también en la elección y distribución de colores -azul, morado y amarillo, aplicando los más vivos en el cielo y utilizando tonos sombríos en el poblado.
   

Puntos clave de la obra:

• El contraste entre la claridad y movimiento del cielo, con la quietud y oscuridad del pueblo.
• La estrecha conexión entre las formas representadas con el estado de ánimo del artista. El color no se corresponde con la realidad, sino con las emociones.
• Los cotornos, en la parte inferior, están marcados con una línea negra gruesa.
• Las únicas líneas rectas son las de los tejados de las casas.
• El aura luminosa que envuelve la Luna, hace que ésta se confunda con un Sol.
• El ciprés gigante seguramente es una alusión a la muerte.

http://www.portaleureka.com/accesible/arte/272-noche-estrellada-van-gogh

 

 

 

Como hemos comprobado, a través de puntos, Van Gogh le dio al cielo de su "noche estrellada" mucho dinamismo y movimiento.

 

La línea, que definimos como la sucesión de puntos, según su tipo nos va a transmitir una sensación u otra.

Así, la línea horizontal nos transmite calma, la línea vertical tensión, la línea diagonal movimiento, y las línea curva un movimiento más dinámico (aspirales).

 

Y en cuanto a los planos, señalar que hay 3 tipos: rectos, curvos o alabeados y mixtos.